歌剧《音乐之声》剧照。

歌剧《音乐之声》剧照。

　　核心提示

　　温情满满的音乐剧《音乐之声》在1959年首秀百老汇后旋即走红，六年后又搬上银幕横扫奥斯卡奖，半个多世纪之后，被誉为“音乐剧之父”的韦伯终于带着他二度创作的版本于本月24日首度来穗演出。消息一经公布，便在广州引发了一轮票房热潮，一举刷新大剧院加场纪录；另一方面，英国伦敦西区原版音乐剧《歌剧魅影》也有望在2015年引进与羊城观众见面。

　　虽然此前音乐剧《巴黎圣母院》、《妈妈咪呀！》、《猫》都曾经来穗，但火爆程度远不及此次。《音乐之声》的与众不同之处究竟在哪里？值得一提的是，《音乐之声》仅仅是为广州大剧院2015这个“音乐剧之年”打响头炮。包括来自伦敦西区的魔幻大作《人鬼情未了》、韦伯原版《歌剧魅影》及细节仍在洽谈中的《巴黎圣母院》等多达64场的世界经典音乐剧未来都将在羊城陆续上演，如此重磅的原版制作和紧凑的演出排期在广州均属首次。最近，香港著名艺评人周凡夫来到广州方所书店举行相关讲座，向观众讲述这些经典之作台前幕后的故事，以及音乐剧发展的源流和特性。

　　法宝1

　　音乐传播温情，电影传播故事

　　《音乐之声》由音乐剧大师理查德·罗杰斯和奥斯卡·汉姆斯特恩二世根据《托普家族的歌手》改编，后被美国音乐片巨匠罗伯特·怀斯搬上电影大银幕，并一举拿下了第38届奥斯卡五项大奖，由此片中故事和音乐广为世人熟知。

　　本次来穗演出的《音乐之声》是2006年在伦敦上演的新版本，由《歌剧魅影》音乐剧版大师韦伯亲自操刀改编。周凡夫说：“在韦伯的成长过程里面，《音乐之声》带给他很多影响。所以他一直有一个梦想，希望能够制作属于他的《音乐之声》。”

　　据周凡夫介绍，《音乐之声》版本虽多，要演绎好这一经典剧目却不容易，而演出的关键就在于剧中的七个孩子。周凡夫说：“那七个孩子不仅要懂得唱，还要懂得做戏，孩子做戏不容易。这一次剧团来广州就带了24个孩子。”

　　周凡夫认为，《音乐之声》里面大量讲述了音乐与爱的关系。在百老汇的原版《音乐之声》中，有三首表现承诺与献身精神的歌曲——分别是麦斯和上校未婚妻爱莎所唱的《爱情路障》，其后两人再加上上校所唱的《无法停止》以及玛利亚和上校唱的《平凡伴侣》。三首歌曲的歌词内容都在营造、加强与渲染全剧的承诺、献身的精神内涵。

　　贯穿在《音乐之声》全剧的《哆来咪》旋律简单、节奏轻快，让孩子们从中学习到了最基本的乐理知识，更是让童真回归，在观众中很有影响力；同样脍炙人口的一首奥地利民谣《雪绒花》，温暖的旋律包含着深深的眷恋与祝福，特普拉上校几度哽咽唱出的爱国之情，无疑也让所有人为之共鸣；而另一首《音乐之声》则是让父爱释放，动听的歌声解开了困扰上校多年的心结，当一向严肃的他忍不住跟随孩子们的旋律一起歌唱，音乐的力量展露无遗。

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　　音乐剧演员玩海选，现场观众可K歌

　　除了原版的精华保持不变，这次来穗的还另有“玄机”。13个集装箱的精致道具，16个活泼精怪的外国小演员，22首风靡50年的经典歌曲，68个台前幕后的原班演职人员，152分钟跌宕剧情，18000字英文对白……从这一长串数据中不难看出，相比之前版本，韦伯的二度创作不仅加强了歌舞的表演，舞美的华丽程度也是更上一层楼。

　　据悉，届时舞台上从昏暗略显压抑的修道院，到雄伟壮丽的阿尔卑斯山，还有冯·特拉普上校家里的奢华生活，韦伯音乐剧特有的精致华美将令观众有身临其境之感，再现这部“神话”级音乐剧的舞台魅力。另外，据导演安东透露称，小演员的表演对于整部剧目来说几乎是成败的关键，“我们先是在全球的范围内海选了150个孩子，经过一系列的考核后，又在上海进行了一次终极选拔，脱颖而出的孩子都具有很强的综合能力。也就是要求有专业素养的同时，又不能够太过于专业，因为这部音乐剧最为动人的地方就是表现人与人之间相处的真实感，太过职业化的表演容易失去这种真实感。”届时，演出中观众能见到的是6位小演员，而实际同时访穗的小演员数目共有24位，每天演出轮番上阵，个个年纪小小却身经百战，确保每场的观众都能看到最活力满分的演出。另外，这次来穗的“玛丽娅”——女演员BethanyDickson，除了具有超强的演唱、舞蹈、表演能力外，还具有一个很难复制的“优势”，那就是和电影中的玛丽娅极为神似。

　　更让人拍手称绝的是，万人大合唱向来都是流行巨星个人演唱会的专利，你可曾想过音乐剧的现场也可以一起“K歌”一起嗨？但《音乐之声》就是一部名副其实的“可以K歌的音乐剧”，此前巡演中不乏观众大合唱的盛况，尤其是《哆来咪》、《孤独的牧羊人》、《雪绒花》等经典中的经典，所到之处总能让全场观众情不自禁合唱起来。

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　　变幻惊艳的舞台，上演人生梦想成真

　　与注重音乐的《音乐之声》不同，韦伯代表作《歌剧魅影》以舞台效果著称。《歌剧魅影》诞生于伦敦西区，取材于法国作家加斯东·勒鲁的同名小说，它以精彩的音乐、惊险的剧情、恐怖的氛围、完美的布景，成为音乐剧中的佳作，但是复杂的舞台效果却使得制作团队不轻易出售版权。“因为他们怕你做坏了就影响到他们品牌了，他们必须考量过这个单位的能力才肯出售版权。”周凡夫说。

　　《歌剧魅影》重视舞台的效果，后台藏有各种机关，表演过程中变幻莫测，带给观众强烈的吸引和神秘感受。周凡夫说：“音乐剧是时代的产品，所以会根据时代的变化而变化，不同时代它所使用的手段风格都会有所不同。《歌剧魅影》是1986年的作品，它与《音乐之声》不同，它有条件也有需要创造变幻的舞台效果。”对比两部音乐剧，周凡夫剖析：“《歌剧魅影》来自伦敦，而《音乐之声》来自纽约，但其实两者本质上没有区别，因为这就是一个市场化的产物。音乐剧自诞生以来就不断宣传它的观点：人生就是歌舞。所以音乐剧有一个功能，就是在舞台上演梦想成真。”

　　据周凡夫介绍，音乐剧发展至今已经发展出许多类别。比如摇滚音乐剧从上世纪70年代就已经慢慢成型，这类音乐剧探索的大都是环保、反战等严肃的主题。但回顾音乐剧发展的历程，周凡夫说：“每个年代的音乐剧都有不同的风格。100年前，百老汇音乐剧从美国诞生之初就不断地宣传：人生总是美好的，困难是容易解决的。比较新的批判性的音乐剧当然也可以引进，但是就目前的市场来看，百老汇的音乐剧仍是票房的最大赢家。现在社会生活压力太大，大家在剧场里面还是希望能够轻松快乐一点。”

　　■支招

　　如何欣赏百老汇音乐剧？

　　热闹要看，门道更要看

　　究竟什么叫音乐剧呢？是不是就是一出话剧加上几首歌曲和几段舞蹈？2015年的广州可谓是一个“音乐剧年”，南方日报记者在此特准备了一份“音乐剧欣赏指南”，让你一份指南在手，看出门道、品出味道来。

　　音乐剧集舞蹈、音乐、戏剧表演于一体，又不是以上三种艺术形式的简单拼凑，而是在剧情诉求的基础上有机地糅合。音乐剧初创时期，也曾经有过在演出中插进几段与剧情没有关系的舞蹈的做法，但随着1940年《俄克拉荷马》的上演，这种情况有了历史性转变。《俄克拉荷马》把舞蹈在音乐剧中的地位提到了空前的高度，使舞蹈成为不亚于音乐、对话和表演的重要组成部分。从此，通过音乐、唱歌和舞蹈三种形式融合演出，音乐剧成为一种近乎完美的艺术形式，观众可以从中得到舞台艺术的全方位熏陶。

　　音乐剧精美严谨的舞台制作也绝对是一大看点。看过《猫》的观众，一定记得里面的仿真“垃圾堆”；看过《剧院魅影》的观众，会对豪华水晶吊灯从天而降的场景印象深刻；《西贡小姐》中直升机的轰鸣声也让人身临其境。这些并不是单纯为吸引观众的“噱头”，而是与剧情的设置和发展息息相关的。

　　说起百老汇音乐剧成功典范，不得不提安德鲁·韦伯的作品。

　　与传统意大利歌剧、芭蕾舞剧、专场音乐会相比，音乐剧就像一个不修边幅而又腰缠万贯的“暴发户”；与最大众化的娱乐形式马戏、杂耍、脱口秀相比，它又太正规，需要有专业剧场，需要专业乐队现场演奏，有完整的故事情节。可以说，韦伯将音乐剧这种“夹生”的通俗文化发挥到了极致。

　　为什么？因为他每一部作品都力图以新的音乐表现形式突破传统，如《歌剧魅影》以风琴演奏主题曲，《猫》剧以急促下滑的电子合成音乐描述猫的个性特征等，韦伯还是将录音与现场乐队演奏融为一体的开路先锋。他更善于将各种不同乐器、不同时代、不同表现方式的音乐熔于一炉，融合了歌剧、流行音乐、新摇滚乐以及古老的英国音乐，各种音乐元素特点鲜明，彼此间却又配合得天衣无缝。不过，以韦伯作品为代表的百老汇音乐剧受到一些严肃戏剧评论家的蔑视，将其列入较低层次的通俗文化，但韦伯和他的朋友们却以“通俗”为荣。

　　事实上，通俗而不庸俗，不断求新求变，尽一切可能满足大众的喜好，正是美国文化的基本特征。百老汇音乐剧具备美国文化的“大熔炉”特点。所以，每一部百老汇音乐剧都有自身特点，每一个故事都有自己独特的表演和表现形式，没有一成不变的程式化表演，更没有不可逾越的表演模式。

编辑：琦萼